Smrt slikarstva prvi je put predvidjena sredinom 19. stoljeća, kada se činilo da će nastup fotografije izvaditi stvarnost iz slikareve ruke. "Ako se dopusti fotografiji da se bori za umjetnost u nekoj od njezinih funkcija, " napisao je 1859. francuski pjesnik i likovni kritičar Charles Baudelaire, "to će je uskoro potpuno zamijeniti ili potpuno pokvariti." Umjetnici se od tada pokušavaju pomiriti s implikacijama fotografije.
Impresionisti poput Moneta i Renoira, odbacujući statičke, mehaničke slike fotografija kao i ustajalu akademsku sliku svoga vremena, namjeravali su oslikati vlastite dojmove o tome kako oko opaža svjetlost i atmosferu u prirodi. Neki njihovi suvremenici, uključujući Degas i Toulouse-Lautrec, odlučili su se za drugačiji korak. Fotografije su počele koristiti za inspiraciju - obrezujući slike kao što bi mogla biti kamera, na primjer, i uvodeći izobličenje perspektive na temelju objektiva fotoaparata.
Tada su prije stotinu godina Matisse i Picasso napravili radikalne slike koje će definirati novo doba moderne umjetnosti. Matisse je isfrustrirao lik svojom ispupčenom Plavom Nude 1907, slikajući s fotografije kako bi oslobodio svoju maštu i razbio navike nastale crtanjem iz života. Picasso je također koristio fotografije kako bi naslikao svoj Les Demoiselles d'Avignon iz 1907., pri čemu je svaki lik izgledao kao višestruko izlaganje, gledano iz različitih uglova istovremeno - odlučujući korak u kubizam.
Kako je 20. stoljeće napredovalo, slikari poput Wassily Kandinsky i Jackson Pollock odustali su od koncepta umjetnosti kao reprezentacije u potpunosti, proizvodeći platna na kojima nije bilo prepoznatljivih predmeta. U njihovim "apstraktnim" djelima boja je postala predmetom. Šezdesetih godina prošlog veka konceptualni umjetnici - nadahnuti Marcelom Duchampom i ostalim dadaistima 1920-ih - usvojili su stav da umjetnost treba ciljati na um, a ne na oko, pretvarajući slike u kojima je ideja iza djela važnija od samog djela, Uz nekoliko očitih izuzetaka - pop art, foto realizam i umjetnici poput Davida Hockneyja, reprezentativna ili figurativna umjetnost uvelike se smatrala prošlošću s kraja 20. stoljeća. No, posljednjih godina, niz suvremenih slikara počeo se vraćati korijenima moderne umjetnosti u pronalaženju novih načina izražavanja. Oni miješaju ljudski lik i druge prepoznatljive oblike s elementima apstrakcije i dvosmislenog pripovijedanja na načine koje prije nismo vidjeli.
"Uzbuđenje oko moje profesije trenutno je ogromno", kaže Joachim Pissarro, kustos za slikarstvo i crtanje u njujorškom Muzeju moderne umjetnosti. "Prije trideset godina svi su govorili o kraju slikanja. Danas se to nikoga ne tiče." Za mladu generaciju, kaže on, "polarizacija između apstrakcije i reprezentacije koja je postojala u posljednjoj polovici 20. stoljeća jednostavno je besmislena. Ono što sada vidimo je vrlo zanimljivo. I potpuno novo."
Umjetnici predstavljeni na ovim stranicama obnavljaju "vjerovanje u slikarstvo", kaže Laura Hoptman, stariji kustos u Novom muzeju suvremene umjetnosti New Yorka, raseljeni iz Brooklyna u Trinidadu do Leipziga u Njemačkoj.
Peter Doig
"Kada su me ljudi počeli zanimati za moj rad krajem osamdesetih, slikanje je potpuno nestalo s dnevnog reda", kaže Peter Doig, 49-godišnji Škot koji živi u Trinidadu. "Ono što su galerije smatrale vrhunskim, sve je bilo konceptualno - slikanje o slikarstvu, umjetnosti koja je govorila o načinu na koji je stvorena. Namjerno sam radio protiv toga. Za mene, kad ste slikar, stalno ste primorani gledati svijet kao potencijalni subjekt slikanja. A to ide od gledanja nečega na ulici, do gledanja nečega u filmu, u časopisu, u stvari sve. "
Doig je atelje u obnovljenoj destileriji ruma u glavnom gradu Trinidada, luci Španjolskoj, prepun je velikih platna na kojima se prikazuju pejzaži nalik džungli, rijeke razmazane bojom i nejasne figure. Kad je 2003. napustio London kako bi se preselio u Trinidad, mnogi njegovi prijatelji nazvali su ga "pravi Gauguin", nakon francuskog umjetnika Paula Gauguina, koji se 1891. preselio na Tahiti i postao jedno s prirodom. Doigov stil ponekad se uspoređuje s Gauguinovim, ali njegov je pristup slikanju sasvim drugačiji. Njegova metoda ovisi o svojevrsnoj obradi informacija koja često započinje s fotografijom, jer slikanje s fotografijama udaljava ga od onoga što je stvarno ili istina. "Zašto slika mora biti istinita?" on pita.
Doig je napravio nekoliko slika sa stare razglednice koju je kupio u londonskoj prodavaonici smeća koja prikazuje riječni prizor u Indiji. "Kad slikam izravno iz prirode, " kaže, "previše se uhvaćam u pokušaju da to ispravim. Korištenje fotografije ili razglednice omogućava mi samo da snimim ono što želim i ostatak ostavim van. Napravio sam fotografiju malenog gurua na razglednici, i snimio još jednu fotografiju toga, i raznio sam je tako da je postala mutna mrlja, i ja sam slikao iz toga, a on je postao nekakav bradati čovjek, nešto tajanstveno i crno. Ne znam je li religiozni lik ili fanatik, ali ima nešto duhovno u njemu. "
Pokazuje na platno od 9 do 12 stopa skretne figure koja se penje na palmu, zagrli prtljažnik i zaviri iz apstraktne praznine poteza četkom, kapljanja i pukotina. "Te kaplje i pukotine su vrste prekrasnih slika u slikarstvu koje su jedinstvene", kaže on. "Rizikujete i daju vam se, ali mrzio bih da postanu manirizam ili trik." Upravo je ta figura najviše pogodila redateljicu SITE Santa Fe Laura Heon kad je slika prikazana na muzejskom bijenalu 2006. "U određenom smislu to je povratak humanizmu", kaže ona. "Nešto je velikodušno u stvaranju slike ljudskog bića."
Glavna retrospektiva Doigovog djela bit će otvorena u Tate Modernu u Londonu u veljači.
Dana Schutz
Na slikama Dana Schutza lažni i stvarni su teško razaznati. "Znam da su moje slike izgrađene, ali vjerujem u njih kad slikam", kaže ona u svom ateljeu u staroj industrijskoj zgradi koja je pretvorila umjetničku zadrugu u Brooklynu. Schutz (30) voli stvarati figure i stavljati ih u različite scenarije u nizu slika, gdje se čini da poprimaju vlastiti život. Jedna takva serija čine brojke koje ona naziva "samojedi" - oduzeti oblik ljudi koji opstaju, hraneći se dijelovima vlastitog tijela i potom rekonstruirajući sebe. Slike, sa svojim fantastičnim slikama i onim što je naziva "ekstrovertiranim bojama" - mrlje i crvene boje, električnim ljubičastim i zelenilom iz džungle - su pohvaljene kao novi ekspresionizam, i lako ih je protumačiti u smislu društvenih bolesti - od anoreksične modele do bijesnog konzumerizma - ili čak kao odraz u umjetničkoj psihi. Ali Schutz se ne slaže.
"Nisam ekspresionistkinja", protestira. "Ove slike nisu o meni koje izražavaju kako se uopće osjećam." Samojednjaci, kaže, "su slikovno rješenje; možete ih rastaviti i ponovo sastaviti. Kao da su tek postali materijalni."
Ali Schutz kaže da su njezine slike ponekad nadahnute onim što vidi na Internetu ili o kojem razmišlja u to vrijeme. "Želim da ove slike počnu negdje u javnoj mašti, gdje se ljudi osjećaju kao da bi mogli znati tu priču, poput plastične kirurgije ili proizvodnje-potrošnje, ili načina na koji stvaramo alternativne povijesti za sebe", kaže ona. "Sve više se osjećam kao najradikalnije što umjetnost može učiniti jest pružiti nekome iskustvo za kojega osjećaju da je na neki način nepoznato."
Za Schutza ne postoji čvrsta crta između apstraktnog i figurativnog slikarstva. "Ne mislim na njih kao na nešto odvojeno." Na jednoj novoj slici muškarca i žene koja se vozi, figure u automobilu izgledaju gotovo plastično, kao da se tope u vrućem havajskom krajoliku. "Način na koji razmišljam o njima, " kaže, "jest da bi u budućnosti, ako biste nas gledali, koja bi obilježja ostala na pomalo iskrivljeni ili generalizirani način?
"Možda popravljamo lik", nastavlja ona. "Stvaranje slika o slikanju samo zvuči suludo. Sve što govore o boji. Mislim da umjetnici sada žele da daju smisao i učine efekat. Vrlo je drugačije od 20. stoljeća."
Izložba Schutzovih djela otvara se u studenom u Galeriji suvremene likovne umjetnosti u Berlinu, Njemačka.
Neo Rauch
U Leipzigu 47-godišnji njemački umjetnik Neo Rauch utječe na generaciju slikara poslije hladnog rata s dvosmislenim slikama koje miješaju realizam s fantastikom, uobičajeno s bizarnim. Oslanjajući se na grafičke stilove stripa istočnog bloka i komercijalne umjetnosti, socijalni realizam komunističke Istočne Njemačke, njegove vlastite slike iz snova i elemente svog urbanog krajolika, Rauch oslikava vrste figura koje možda nalazite na propagandnim plakatima, ali postavlja ih u scene koje su, kako kaže, "zbunjujuće uvjerljive" - kao nekada poznate i čudne.
Rauch opisuje svoje slike kao alegorija s osobnom ikonografijom koja ostaje privatna. Nedavno je jednom intervjuu za njujorški Metropolitan Museum of Art rekao da njegove odluke slikara mogu prkositi razumu - čak i njegovom vlastitom. Ali ono što on uključuje u sliku ima svoju stvarnost, kaže on, jer "unatoč svim željama za interpretacijom, slika bi trebala zadržati privilegiju postavljanja onoga što se ne može verbalizirati u očitu strukturu". Rauch opisuje svoj postupak stvaranja slike kao borbu za uravnoteženje onoga što je prepoznatljivo s onim što je neobjašnjivo. "Za mene je, rekao je, " slikanje znači nastavak sna drugim sredstvima. "
Izložba Rauhova djela trenutno je razgledana u Muzeju umjetnosti Metropolitan u New Yorku (do 14. listopada).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, poput kolege diplomiranog umjetničkog fakulteta na Sveučilištu Columbia, Dana Schutza, postavio je svoj studio u preuređen industrijski potkrovlje u Brooklynu. Njegove slike, nadahnute slikarstvom povijesti Francuske s kraja 19. stoljeća, kombiniraju figurativne elemente s tehnikama izvedenim iz grafita i apstraktnog ekspresionizma.
"Kao tinejdžer odrastao u gradskoj Filadelfiji, prvo sam bio pisac grafita", kaže on. "Upao sam u sve vrste nevolja, uhićen sam, ali uvijek sam imao jednu nogu u nastavi umjetnosti." Na kraju ga je prijateljin otac odveo u neke umjetničke galerije u New Yorku. "To je stvarno jedini način na koji bih uopće znao da svijet umjetnosti ikada postoji", kaže on.
Furnas (34) naslikava svoja platna po podu, kao što je to činio Jackson Pollock. Ali umjesto da kaplje uljanu boju à la Pollock, on stvara lokvice na bazi vode na bazi koje gomila jednu iznad druge kako bi stvorio oblik. Za seriju o građanskom ratu, napunio je štrcaljku crvenom akrilnom bojom koju je trzao po svojim platnima kako bi predstavljao krv. "Ulja se nikada ne bi osušila na vrijeme za način na koji koristim boju, " kaže, "ravan na zemlji, u lokvama. Mnogo toga se vraća na grafite. Jedna od stvari koja mi se svidjela kod grafita je to da je namjerno zloupotrebljava materijal. Mogli biste skinuti kapice za sprej s jednog aerosola, recimo sredstva za čišćenje countertop-a, i staviti ga na konzervu za sprej s bojom i dobiti potpuno drugačiji učinak od mlaznice .... Nikad se nisam zamarao čak i štapići. Imam ogromnu kolekciju kapa s sprejevima, kao što zamišljam da neki slikari ulja imaju četke. U mom radu postoji neka vrsta voljne mješavine onoga što postoji u trgovini hardvera i onoga što postoji u trgovini. "
U umjetničkoj školi na Columbiji, Furnas se pobunio protiv starije generacije učitelja koji su, kako kaže, "konceptualni i postmoderni umjetnici, gotovo da nisu slikali." Slikanje je doživljavao kao čin samoizražavanja koji je bio izvan mode. Također je želio da njegov rad bude dostupan gledateljima bez potrebe da ga akademici tumače. "Nisam želio da ovi ljudi u crnim odijelima razgovaraju o mom radu", kaže on. "Nisam želio posrednika." Odlučio je "vratiti se sjeme modernizma", kaže, "Courbetu i Géricaultu i Manetu, slikanju povijesti Francuske s kraja 19. stoljeća. Bio sam u mogućnosti ponovno istražiti žanr i pristupiti njemu na drugačiji način. Tako sam postao ovakav modernistički kupac trgovine!
Izložba Furnasovih djela zakazana je za proljeće u galeriji Stuart Shave / Modern Art u Londonu.
Katherine Lee
U staroj vojarni, napravljenoj u ateljeima umjetnika na koledžu u Santa Feu, Katherine Lee, 22, pita se kako će njezina ožičena generacija gledati na umjetnost. "Pročitali smo toliko instant vizualnih poruka ovih dana, " kaže ona, "poput reklama - pročitajte ih i nabavite - i želim da slika bude zanimljiva duže od komercijalne pauze. Mislim da postoji strah od narativa i to proizilazi iz ideje da ga "dobijemo". Ljudi su toliko navikli na oglašavanje da žele da ono što vide na slici nekoga drugoga osmisli. Ali oglašavanje radi tako dobar posao da možda morate pronaći novu strategiju. "
Tajanstveni, gotovo crni krajolik s mrljama daleke svjetlosti prikovana je za Leeov zid studija. Ima raspoloženu atmosferu i dubinu krajolika iz 19. stoljeća, ali Lee ga je slikao na nekoliko fotografija pomoću mješavine grafita, ulja i limenki boje za prskanje. Tamno lišće sugerira džunglu ili šumu, a nešto je što nalikuje crvenom kišobranu usred svega. Ali nema ljudi. Teško je znati bilo šta o prizoru, a to je upravo ono što želi. "Taj kišobran u šumi sugerira da se nešto događa", kaže ona. "Sviđa mi se ideja da sve djeluje kao potencijalni sadržaj. Zapravo ne razmišljam o tome što to znači kad ga napravim, jer znam da će to dati svoje značenje."
Kada slika ljudske figure, poput ulja i grafita romantičnog para kojeg naziva Bez ljubavi, Lee želi da boja zainteresira gledatelja koliko i slika. "To nije baš figurativno slikanje", kaže, "jer zapravo nije riječ o tim ljudima. Kad sam započela s slikanjem, zapravo se radilo samo o figuri, ali vrlo brzo to se činilo previše plosnato. Stvarno sam frustrirana i nekako uništena veći dio slike, a tada je bilo puno bolje. Uzeo sam kist i samo nasilno zamaglio sve. Abstrahirajući sve do te mjere, slika postaje otvorena, dobiva puno potencijalnog sadržaja za razliku od eksplicitnog objašnjavanja same sebe. "
Slike Katherine Lee moći će se pogledati u tezinskoj predstavi u galeriji likovnih umjetnosti College of Santa Fe u svibnju.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32 godine, nedavno maturantica umjetničkog fakulteta Sveučilišta Columbia, slikarka je čiji rad dodaje novo uzbuđenje zbog suvremenog slikarstva koje spaja apstrakciju i reprezentaciju. U njenom ateljeu u Brooklynu platna su prekrivena velikim apstraktnim kistima koji podsjećaju na de Kooninga, a ipak uključuju one figure poput slikara kakav je Matisse mogao zamisliti. Neel kaže da je njezin vlastiti senzibilitet oblikovan poplavom slika oko nje, od reklamiranja i televizije do filmova, videa i interneta. "Mi smo potrošači slika gotovo od dana kada smo rođeni", kaže ona i misli da se sada umjetnost mora baviti tim okruženjem.
Unuk slikarice figurativne umjetnosti 20. stoljeća Alice Neel, Elizabeth često surfa Internetom za slikama prije nego što je započeo s slikanjem. Ne projicira fotografije na platno, već pravi skice slika koje želi koristiti. Ponekad, kaže, čisto formalni aspekti slikanja - na primjer razmjera poteza četkicom - mogu promijeniti zanimanje za sliku i poslati je natrag na Internet za nove slike i ideje. "Mislim da slika može imati divnu dualnost; može biti oko sebe, a može biti i o svijetu, " kaže, "i dobar je odlomak na slici kad se to dogodi."
Britanski kolekcionar Charles Saatchi kupio je nekoliko Neelovih slika i neke od njih uključio je u svoju seriju izložbi „Trijumf slikarstva“ u svojoj londonskoj galeriji. Neel će imati samostalni nastup na Deitch Projects u New Yorku u proljeće 2008. Njezin rad može se vidjeti na web stranici Deitch Projects.
Pisac i slikar Paul Trachtman živi u Novom Meksiku. Njegov članak o dadaistima objavljen je u Smithsonianu u svibnju 2006. godine .
