Kritičar Adam Gopnik govorit će u američkom muzeju umjetnosti Smithsonian u srijedu, 10. listopada. Fotografija ljubaznošću muzeja
Adam Gopnik pisac je u New Yorkeru . Esejist u velikoj tradiciji EB Whitea, Gopnik donosi proučeno, ali s entuzijazmom amaterski, pogled na sve, od baseballa do umjetnosti do politike. Objavljena 2000. godine, njegova knjiga Pariz do Mjeseca, izrasla je u svoje vrijeme provedeno pišući za New Yorker 'Paris Journals'. Dobitnik je tri Nacionalne nagrade za časopis za svoje eseje i napisao je niz knjiga, među kojima i kroz djecu Vrata, anđeli i vijekovi: Kratka knjiga o Darwinu, Lincolnu i modernom životu i stol je na prvom mjestu: Francuska, obitelj i značenje hrane .
Gopnik (56) rođen je u Philadelphiji i odrastao u Montrealu. Diplomirao je na Sveučilištu McGill i doktorirao na Institutu za likovnu umjetnost, Sveučilište u New Yorku. 1990. godine kurirao je izložbu "Visoko / nisko" u Muzeju moderne umjetnosti.
Ove srijede predavat će u američkom muzeju umjetnosti Smithsonian u sklopu serijala Različita predavanja Clarice Smith iz američke umjetnosti. Razgovarali smo telefonom s piscem iz njegova njujorškog stana o američkoj umjetnosti, njegovoj spisateljskoj karijeri i planovima da se vrati u školu.
Predavanje za razgovor u srijedu pod naslovom "Što čini američku umjetnost američkom?" To je mnogo toga što možemo pokriti, možemo li imati pregled?
Prije nekoliko godina održao sam glavnu riječ kada se Smithsonian American Art Museum ponovo otvorio i pokušao sam tada razgovarati o poteškoćama u razumijevanju ideje američke umjetnosti. Drugim riječima, možete zauzeti snažno stajalište. Moj mali brat Blake koji je umjetnički kritičar za Newsweek's Daily Beast inzistira na tome da je nekako usko i plitko šovinizam govoriti o američkoj umjetnosti koja ima posebne kvalitete, da bi se moglo reći da postoji neka bit koja prelazi od Johna Jamesa Audubona do Winslow Homera do Richarda Serra, obmanjujemo se. Umjetnost je svojstveno kozmopolitskoj i internacionalnoj i pokušaj da se to vidi nacionalnim izrazom izdaje njezinu suštinu.
S druge strane, imate vrlo snažne argumente da u vizualnoj umjetnosti postoje posebno američke tradicije. Možda se sjećate da je Robert Hughes u American Visions napravio takav slučaj. Želim ponovo pitati kako možemo razmišljati o tome, kako bismo trebali razmišljati o tome? Ima li smisla govoriti o američkoj umjetnosti kao temi sama po sebi?
Drugo pitanje koje želim postaviti i to je ono koje sam dodao ovoj meditaciji otkako sam posljednji put govorio u Washingtonu, a što je s pitanjem crtanja granica? Jedna od stvari koja je specifična kod ljudi koji dugo gledaju na američku umjetnost jest da lakše uključimo stvari poput namještaja - pomislimo na Shaker stolice - dekorativne umjetnosti, crtajući u našem razumijevanju što je američka umjetnost. Ako pogledate rane kolekcije američke umjetnosti u muzejima, na primjer, u Metropolitanskom muzeju ovdje u New Yorku, vidjet ćete da su oni vrlo lako probili te crte između likovne i dekorativne i primijenjene umjetnosti na način na koji ih nisu radili u zbirkama europske umjetnosti istodobno. To je učinjeno izvorno, kao svojevrsna gesta umanjenja. Na američku umjetnost možete gledati kao na nekog manjeg rođaka, još uvijek nešto što je bilo kadetsko i na putu. Tako biste mogli uključiti puno naizgled stranih materijala na antropološkoj osnovi. Na sebe smo gledali antropološki. Kako je to i dalje trajalo, postavlja se još jedan niz pitanja. Je li to obogaćivanje? Je li to ikad legitimno? Je li to neka vrsta modela kojoj bi trebalo dopustiti da na neki način zarazi dvorane europske umjetnosti? To je novo pitanje koje ću pokušati postaviti osim da uvježbam, jer mislim da to nikada ne ostaje zaleđeno, temeljno je pitanje na što mislimo kad govorimo o američkoj umjetnosti.
Teško je ne pomisliti na umjetnost podijeljenu po tim tradicionalnim, nacionalnim linijama.
To je prirodan način da se to vidi i mislim da je to pravi način da se to vidi. Mislim da možemo razgovarati o kontinuitetima u američkoj umjetnosti, kao što možemo govoriti o stvarnim kontinuitetima u francuskoj umjetnosti ili, Bože nam pomozi, u engleskoj umjetnosti. Ali oni nisu samoočljivi, nisu transparentni.
Trubački labud, John James Audubon, 1838.
Pa što definira američku umjetnost?
Naslov koji sam dao posljednjem predavanju bio je u smislu dva pola: "Prekomjerna ušica i blistavo duguljasto zamagljenje." S jedne strane, imate prekomjernu ušicu i imate taj osjećaj izobilja. To se najbolje može vidjeti u Audubonovom djelu. Ako razmišljate o onome što je Audubon namjeravao učiniti, to je bilo nešto potpuno novo. Pokušavao je napraviti sliku svake pojedine ptice i svake četvoronožne zvijeri u Sjevernoj Americi. Bio je potpuno svejed i demokratski, nije bilo niza sekvenciranja, nije bilo, „ovo su plemenite zvijeri i ptice i ovo su manje zvijeri i ptice.“ To je sve odjednom. Taj osjećaj uključenosti, inspekcije, kompletnog inventara, to je vrlo američka ideja. Na očigledne načine vodi se izravno od Audubona do nekoga poput Andyja Warhola, istog svejednog, demokratskog, Whitmanovog apetita za cjelokupnim iskustvom bez hijerarhije u njemu. Zato su za Warhola, Elvisa i Marilyn svete figure, a ne da su svete figure svete figure.
A protiv toga imate ono što ja zovem, svjetlucavo duguljasto zamagljivanje. To dolazi od evanđelista iz 1920-ih, koji je jednom kada je netko pitao kako izgleda Bog na vas, "Kao svjetlucavo duguljasto zamućenje." To je smisao da je dostupno transcendentno iskustvo, duhovno iskustvo, religiozno iskustvo., WH Auden je jednom rekao da je najdublje američko vjerovanje da kada pronađete pravi trik, moći ćete izgraditi novi Jeruzalem za 30 minuta. To je smisao, da je to transcendentno, moćno, uzvišeno iskustvo tu za traženje. Nalazite svijetlu u neču poput pejzaža 19. stoljeća, a on prolazi kroz Marka Rothka i Barnetta Newmana i uzvišene apstraktne slikare iz 40-ih i 50-ih. Misle da ono što vam pokazuju nije bol, već raj ili neka njegova verzija. To je vrlo snažna tradicija i u američkoj umjetnosti.
Nazvan "najboljom knjigom o Francuskoj posljednjih godina" u pregledu knjige New York Timesa, Pariz na Mjesec detaljno su opisane fenomenalne i svakodnevne stvarnosti života u Parizu.
Čitao sam kako ste rekli, vaš rad govori o čežnji za modernošću u postmodernom svijetu. Pitao sam se kako se tvoj rad uklapa u taj put američke umjetnosti?
Jesam li to rekao? To je malo po sebi, zar ne? Mislim da je to istina, ispričavam se ako se čini pompozno. Ono što sam htio reći, kad sam to rekao i siguran sam da jest, da je umjetnost i civilizacija koju njegujem i volim suvremenost. To je u suštini optimističan, naprijed i na neki način ironičan, ali u nekom dubokom smislu samouvjeren svijet Pariza i kubista iz 1910. ili Pollocka i apstraktnih ekspresionista 1947. Nije da ti svjetovi nisu imali dubokih mana i osjećaja za tragediju, ali vjerovali su u budućnost umjetnosti. Vjerovali su u mogućnost lucidnih komunikacija. Vjerovali su u mogućnost kreativnosti. Živimo u postmodernom dobu u kojem su same stvari - lucidnost i kreativnost - sve dovedene u bitnu sumnju. U tom smislu, to je ono što sam mislila u težnji za modernizmom u postmodernom dobu.
Što se tiče mog vlastitog rada, mislim da je jedna od velikih privilegija koju sam pisao za New Yorker, ali ujedno je i proširenje vrste senzibiliteta koje imam, a to je da volim raditi puno razne vrste stvari. Mrzim ovaj osjećaj specijalizacije. Imam apetit za puno različitih vrsta iskustva. Jedno od zadovoljstava biti esejistom, za razliku od stručnjaka ili akademika jest to što morate pisati o puno različitih stvari. Stoga nije slučajno da je N ew Yorker kao institucija na neki način jedinstven za Ameriku. Ne postoji francuski New Yorker, ne postoji britanski New Yorker jer se oslanja na ideju koju možete pisati autoritetom a da nemate stručnosti o mnogim raznim stvarima. Ta ideja amaterskog entuzijasta jedna je od dijelova sveobuhvatne američke tradicije.
Kako vam je proučavanje povijesti umjetnosti pomoglo da istražite sve ove teme?
Upravo sam se vratio na sentimentalno putovanje prije tjedan dana u Montreal na Sveučilište McGill, gdje sam obavljao dodiplomski rad iz povijesti umjetnosti, i to mi je nekako bilo srčano, jer više nemaju odjeljenje za povijest umjetnosti. To je sada nešto poput komunikacije i vizualne povijesti ili nešto vrlo postmoderno i ažurno. Mislim da oni još uvijek podučavaju povijest umjetnosti, ali oni to predaju u mnogo širem, antropološkom kontekstu. Poanta je u tome što sam imao ovog divnog mentora-profesora psihologije, od čega sam i započeo. Bila sam mučna oko toga hoću li ući u povijest umjetnosti ili ostati u psihologiji, i agonizirala sam je zbog same važnosti koju imaš u 22. Smirio me i rekao, slušaj, ovo nije važna odluka. Važna je odluka hoćete li krenuti u povijest umjetnosti, psihologiju ili stomatologiju. To je važna odluka, jer će vam život biti vrlo različit, ali odluke koje izgledaju stvarno teško nisu baš teške, jer znači da imate što za reći na obje strane. Vjerojatno se ne bih puno razlikovao da sam zaokrenuo psihologiju, a ne povijest umjetnosti.
Mislim da je navika gledanja i vježbanje opisivanja (što, mislim, nažalost propadalo u povijesti umjetnosti kao što se sada prakticira, no što se mene tiče, to je u srži toga i ono što je sve velika umjetnost povjesničari su to učinili) Mislim da je to vrlo koristan temelj svima koji žele biti pisci. Zapravo bih otišao dalje i zapravo čak rekao da je to bolji temelj od kreativnog pisanja, jer se suočiti s nečim što je tako komplicirano i što višestrano i neverbalno kao veliko umjetničko djelo i pokušati započeti pronaći jezik metafora, evokacija, kontekst i povijesni položaj za nju je u nekim aspektima najteži izazov koji svaki pisac može imati.
Potpuno se slažem i studirajući to, od srca sam čuo da imate pozadinu povijesti umjetnosti, iako znam da niste doktorirali. program na Sveučilištu New York.
Nisam, ja sam ABD (sve-ali-disertacija), valjda godine ... Ja sam svoje usmene napravio 1984., tako da možete shvatiti, ali to je već gotovo 30 godina. Učinit ću to jednog dana. Ja sam jedina, od petoro braće i sestara, bez doktorata. Neki dan ću se vratiti i uzeti ga. Kada sam proučavao povijest umjetnosti 70-ih i 80-ih, to je bila još uvijek vrlo staromodna disciplina. Uglavnom ste radili arhivska istraživanja, a većina profesora radila je ikonografiju, samo rješavajući zagonetku o tome što mali pas znači u desnom kutu slike. Sada je, naravno, potpuno revolucionariziran i moderniziran i mislim da vas dugo čini stara arhivska, ikonografska tradicija koja je izgledala strašno zastrašujuće kad sam i ja bio dio nje.
O vizualnim umjetnostima više ne pišem redovito, premda se trudim pisati o njima kad me nešto uznemiri. Ali još uvijek smatram, ako mi dopustite polu sentimentalni trenutak, da nema užurbanog uzbuđenja poput onog hodanja u veliki muzej i svjesnosti da ste u blizini lijepih stvari.
