Filippo Tommaso Marinetti bio je prvi umjetnik u modernom dobu koji je o pripremi i konzumaciji hrane razmišljao kao o umjetnosti. Avangardni futuristički pokret, koji su 1909. Formirali Marinetti i drugi umjetnici u Milanu, prigrlio je industrijsko doba i sve mehaničke stvari - od automobila i aviona do proizvodnih metoda i urbanističkog planiranja. Mislili su da kuhanje i objedovanje, koje su tako središnje u svakodnevnom životu svakoga, također trebaju biti u središtu njihovih dalekovidnih, dalekih ideala.
Povezana čitanja
Arcimboldo
KupitiPovezani sadržaj
- Lobi iz mlijeka iz 1870-ih pretvorio je u margarinku ružičastu kako bi ljudi kupili maslac
Marinetti je 1932. objavio časopis Futurist Cookbook . Nije to bio samo skup recepata; bio je svojevrsni manifest. Pripremanje i konzumaciju hrane bacio je kao dio novog svjetonazora, u kojem je zabava postala avangardna izvedba. Knjiga je propisala potrebne elemente za savršen obrok. Takva blagovaonica morala je sadržavati originalnost, sklad, skulpturalni oblik, miris, glazbu između tečajeva, kombinaciju jela i različite aromatizirane male kanapeje. Kuhar je trebao upotrijebiti visokotehnološku opremu za pripremu jela. O politici se nije moglo raspravljati, a hrana se morala pripremiti na način da je za jelo nije bilo potrebno srebrno posuđe.
Marinettijevo razmišljanje nije moglo predvidjeti ulogu koju će hrana postati umjetnost gotovo stoljeće kasnije. Suvremeni umjetnici koristili su hranu za davanje izjava: političke (posebno feminističke), ekonomske i socijalne. Otvorili su restorane kao umjetničke projekte, izveli predstave u kojima se hrana priprema i poslužuje u galerijama, te napravili složene skulpture od jestivih materijala poput čokolade i sira. Zastrašujuće kako se možda činilo Marinetti, neki umjetnici danas čak prihvaćaju hranu kao odbacivanje svih i svega onoga što je opsjednuto budućnosti.
Gledajući unatrag, hrana je uvijek igrala ulogu u umjetnosti: slikari iz pećinskih kamenih doba koristili su biljni sok i životinjske masti kao vezivne sastojke u svojim bojama, a Egipćani su na hijeroglifskim tabletama isklesali piktograme usjeva i kruha. Tijekom renesanse Giuseppe Arcimboldo, slikar habsburškog dvora u Beču, a kasnije i za Kraljevski sud u Pragu, slikao je ćudljive portrete slične slagalicama na kojima su crte lica bile sastavljene od voća, povrća i cvijeća.
Kada razmišljam o hrani i umjetnosti, intuitivno se prisjećam velikih, lijepih tihotapova nizozemskog zlatnog doba s kojima sam se prvi put susreo u razredu povijesti umjetnosti sjeverne renesanse. Na tim sjajnim slikama svaka je površina, od blistavih pernatih kaputa patke na sjajnim srebrnim pladnjevima do rosne kože voća i bobica, pažljivo prikazana kako bi se stvorila iluzija da blagdan sjedi pred gledateljem. U 1600-im godinama su takve slike svjedočile vlasnikovom bogatstvu i intelektualnom angažmanu. Prikazana hrana imala je simbolički značaj koji se često odnosio na biblijske tekstove, a način na koji su predmeti raspoređeni - i koji su bili konzumirani - prenio je poruku o prolaznoj prirodi vremena ili potrebi za temperamentom.
Kao mladi umjetnik proučavao sam Cezanneovu groznu rendziju jabuka i naranči. Za postimpresionističke slikare poput Cezanne, promatranje iz života bio je samo početak maštovitog procesa. Cijenili su živu boju i živahne poteze kima nad hiperrealizmom prošlosti.
Tijekom ere pop arta hrana je postala društvena metafora. Wayne Thiebaud oslikao je redove pita i kolača u jarkim pastelnim bojama koje su nam donijele pamet i reklame i dječje igračke. Predstavljen poput prikazivanja večere, umjesto domaćih obilježja privatnog života, njegovi aranžmani odražavali su putujuće društvo u kojem su raskošni deserti označavali američko obilje.
Ovaj članak je izbor iz našeg Smithsonian putovanja putovanja Kvartalni atlas izdanja
Svaka kultura ima svoju kuhinju, a svaka kuhinja ima svoju tajnu povijest. Ovo posebno izdanje Putovanja pruža detaljni pregled hrane i kulinarske kulture širom svijeta, uključujući detaljne priče i omiljene recepte.
KupitiOtprilike u isto vrijeme umjetnici su počeli koristiti pravu hranu kao umjetnički materijal. 1970. sardonski švicarsko-njemački umjetnik Dieter Roth, također poznat kao Dieter Rot, napravio je komad pod nazivom "Staple Cheese (A Race)" - papučicu "steeplechase" - koja je sadržavala 37 kofera napunjenih sirom i ostalim presovanim sirevima na zidove s namjerom da kapnu ili "trče" prema podu. Nekoliko dana nakon otvaranja izložbe u Los Angelesu, izložba je odavala nepodnošljiv smrad. Galerija je preplavila crv i muhe, a javni zdravstveni inspektori prijetili su da će ga zatvoriti. Umjetnik je izjavio da su insekti u stvari njegova namjeravana publika.
Umjetnice feministkinja s kraja 1960-ih i početka 1970-ih promatrale su američki odnos prema hrani kao ograničenja koja ih postavljaju na žene. Feministkinje su tvrdile da je osobni - uključujući i najprisutnije aspekte svakodnevnog života - politički. 1972. Miriam Schapiro i Judy Chicago iznajmili su praznu kuću u Los Angelesu sa 17 soba koja je bila predviđena za rušenje i pretvorili su je u masivnu umjetničku instalaciju. Schapiro i druge umjetnice stvorile su u blagovaonici potopnu instalaciju oponašajući proces koji djevojke slijede prilikom ukrašavanja kućica za lutke. Njihov je projekt, i performans i instalacija, osudio dvostruki standard društva - nesrazmjer u očekivanjima i mogućnostima muškaraca i žena. Dok su se dječaci trenirali kako bi uspjeli u svijetu, od djevojčica se očekivalo da čuvaju kuće za svoje muževe. Kasnije će feminističke umjetnice poput Elizabeth Murray sugerirati da su žene dovoljno snažne da se nose s ovozemaljskim i domaćim u djelima poput "Kuhinja slikarstva" (1985), u kojima čini se da žlica globusa vezana za lik koji predsjeda kuhinji izgleda slikovna ravnina i suočiti se s gledateljem.
1974. godine, Chicago je ponovno pokrenuo temu blagovaonice kada je započeo "Večera", konceptualnu turneju koja je sada smještena u centru za feminističku umjetnost Elizabeth A. Sackler, u Brooklynskom muzeju. S timom talentiranih majstora tijekom nekoliko godina, u Chicagu su napravili trokutni trokutasti stol za stol dugačak 48 stopa s postavkama mjesta za 39 kulturno uglednih žena, nekih stvarnih i nekih mitskih, od prapovijesti do modernog ženskog pokreta. Svaka postavka uključuje ručno rađenu salvetu, keramički tanjur, čašicu i trkač, a sve s ikonografijom prilagođenom specifičnoj ženi. Kako se vremenska linija približava sadašnjosti, ploče postaju sve trodimenzionalnije, što simbolizira rastuću slobodu žena i političku moć.
Tijekom devedesetih mnogi su se umjetnici navikli na osobnu otuđenost koja će proizaći iz uvođenja kućnog računala i drugih aktivnosti zasnovanih na ekranu. Kako bi uklonili urođenu anomiju, neki su otvorili disciplinu „relacijske estetike“ - manje poznatu kao „socijalna skulptura“ - prema kojoj je ljudska interakcija, uključujući i zajedničko jedenje, zamišljena kao umjetnička forma sama po sebi. Jedan od najistaknutijih praktičara bio je Rirkrit Tiravanija, koji je počeo kuhati i posluživati hranu gledateljima u galerijama, ostavljajući lonce, tave i prljavo posuđe u galeriji tijekom trajanja svojih izložbi.
Danas početnici umjetnici još uvijek uče kako slikati mrtve tipove voća i povrća. Mnogi se kasnije od slikanja okreću traženju novijih, eksperimentalnijih medija, ali umjetnici usredotočeni na hranu često i dalje vjeruju u snagu pigmenta na platnu. Njujorški slikari Gina Beavers, Walter Robinson i Jennifer Coates dobri su primjeri. Beavers češlja internet za fotografije hrane, koju potom kombinira u kolaže s više slika i slike na velikim platnima. Robinson je preokupiran viskijem, cheeseburgerima i drugim predmetima čežnje. Coates se usredotočuje na bezvrijednu hranu, stvarajući slike u kojima s'mores, mac n 'sir i pizza poprimaju apstraktne oblike. Sveukupno, postoji zdrava napetost između tradicije i ikonoklazma u suvremenoj umjetnosti hrane. Otprilike 85 godina nakon objavljivanja, Marinettijeva kuharica i dalje izgleda pred krivuljom, iako možda ne predaleko.
